Diana Pérez Custodio

Los cuadros de Georgia O’Keeffe siempre nos invitan a quedarnos con lo esencial. Su simplicidad aparente es sólo la puerta de entrada a un mundo muy profundo y a la vez, aunque ello resulte paradójico, muy luminoso; un mundo en el que no cuesta respirar porque está repleto de aire puro de todos los colores.

A través de un breve texto escrito por Pedro Rojano, esta obra también se constituye en invitación: una invitación a degustar con Georgia el sabor de un instante eterno.

4 ostinati amorosi.zip trata sobre el amor y sobre las diferentes formas de experimentarlo que conoce el ser humano, y está basada en mi pieza anterior 4 ostinati amorosi. Como en mi otras dos obras L’Orfeo.zip y Divina Commedia.zip, me planteo el uso metafórico de la compresión, sólo que esta vez utilizo de base para este experimento mi propia música.

Con el apoyo de ciertos fragmentos del Cántico espiritual de San Juan de la Cruz, un bailarín y un intérprete electrónico tejen cuatro fases de movimiento y sonido. Así, sobre una base pregrabada que sirve de estructura profunda a la pieza se superponen otras capas expresivas que requieren de una dosis importante de improvisación por parte de ambos intérpretes. El bailarín viste en ocasiones una prenda interactiva con sensores diseñada especialmente para manipular elementos del conjunto sonoro. Todos los sonidos sin excepción están construidos a partir de la voz humana manipulada.

La idea de ostinato en un sentido amplio del término nos conecta con algunos aspectos de la música antigua, incluso ancestral, que, unidos al trabajo a partir de gestos de baile muy definidos, acercan la obra a la idea de rito in musica.

Ay, que sí, ay, que no, que lo que me duele, me duele y lo siento yo, que soy Pero Grullo de mi pasión… Tomé esta sencilla canción de Juan Hidalgo, extraje veinticinco elementos sonoros significativos, los reinterpreté y manipulé, los volví a colocar superpuestos al fondo difuso de la propia canción original…¿quién no ha disfrutado alguna vez haciendo un puzzle?

Ahora deberé cantar de lo que no querría,
tanto me lamento del que no soy amiga,
pues le amo más que a cualquier cosa en el mundo
pero no valen ante él ni la piedad ni la cortesía
ni mi belleza, ni mi valor y mi juicio,
porque soy engañada y traicionada
como sucedería si fuera poco agraciada.

Beatriz “Condesa de Dia”,
traducción de la primera estrofa de A chantar m’er de so q’ieu non volria.
(ca. 1180)

Durante el siglo XII llegaron a su máximo esplendor en Occitania las Cortes de Amor. En ellas las damas nobles y cultivadas se reunían con algunos trobadores para constituir los tribunales de amor, en los que se juzgaba a aquellos amantes culpables de alguna falta de amor según un estricto código de 31 reglas. Se trató de un periodo privilegiado y excepcional en la historia de la emancipación femenina, y hasta nosotros ha llegado el testimonio poético de algunas de aquellas mujeres: las trobairitz.

De entre estos poemas para ser cantados sólo se conserva una melodía original escrita por mano de mujer, A chantar m’er de so q’ieu non volria, firmada por la Condesa de Dia, cuyo nombre era Beatriz y que fue esposa de Guillermo de Poitiers y amante del trobador Rimbaud de Orange, al que dedicó todas sus canciones.

Es esa la melodía en la que baso esta obra, en la que reviso el sentimiento de dolor amoroso que fue, es y será un campo de batalla universal, un camino oscuro infinitas veces recorrido por hombres y mujeres de cualquier época.

Obra estrenada por su dedicataria, Anna Margules, el 10 de noviembre de 2013 en el DT Espacio Escénico de Madrid.

La obra es un ejercicio de sinestesia a partir de uno de los trabajos del mismo nombre de Wolman. “Metagrafía” es el término ideado por los letristas para definir algo así como una “superescritura”, constituida por letras y signos bien sean reales o inventados. Wolman construye varias en 1954, año en el que termina la primera guerra de Indochina con la división en dos del país según el acuerdo de Ginebra; éste sería el origen de la posterior guerra de Vietnam.

Hace varios meses comencé a interesarme por la compresión del tiempo. En mi obra L’Orfeo.zip reflexioné sobre cierta perspectiva de vida que nos propone reiteradamente nuestra actual sociedad y que premia el conseguir resultados sin experimentar los procesos o, si no hay otro remedio, experimentándolos a la mayor velocidad posible. Me preguntaba así por todo aquello que, con tanta prisa, dejamos atrás sin ni siquiera ser conscientes de ello.

Ahora deseo explorar otras caras de este poliedro. He comprimido la lectura de la Divina Commedia de Dante en versión original a aproximadamente una centésima parte de su valor temporal, reduciendo el texto a un murmullo ininteligible y monótono. Sobre este fondo implacable un ser humano trata de esquematizar velozmente su propia experiencia de lectura previa de ese mismo texto. Para ello usa su voz y un piano. Y así me pregunto cuánta belleza se nos escapará en esta vida por no conocer a veces los códigos adecuados de descompresión de la información que recibimos. También me pregunto si la concentración máxima de un producto artístico nos sitúa necesariamente en el extremo de la superficialidad o por el contrario podría asomarnos a un abismo mucho más intenso.

Feeling’s corner se materializa como la tercera y última obra (la primera fue Bárbara-Scarlatti y la segunda Tras años de peregrinaje) de una trilogía que, bajo el título global de Sosteniendo tu mirada y a modo de work-in-progress, pretende profundizar en la idea de rito in musica a través de la exploración del concepto de homenaje.

Se trata de trasladar al formato de espectáculo musical una práctica fotográfica muy antigua: la de utilizar un panel previamente pintado con un cuerpo, que en vez de cara tiene un agujero para que ponga la suya cualquier persona. Hoy en día se consigue el mismo resultado con los fotomontajes informáticos, que incluso aportan infinitas nuevas posibilidades a este juego visual. El caso es que al contemplar las diferentes fotos que se obtienen cuando se asoman distintos rostros al mismo marco, nos abruma la evidencia de que cada piel viva, cada mirada, irradia su energía a la madera muerta que les encuadra y establece con ella una relación sistémica única e irrepetible.

Así, Sosteniendo tu mirada 03 es el resultado de asomar a un marco sonoro preestablecido la música de Claude Debussy. Ese marco en realidad no es más que un ritual escénico y audiovisual que permite a los dos intérpretes conectar con los más profundos sentimientos de Debussy y, de paso, con una parte escondida de sus propias conciencias.

En un pequeño municipio de la costa malagueña existe una cueva muy especial conocida como La Cueva del Tesoro. Es una de las tres cuevas de origen submarino que se contabilizan en el mundo, y la única de esta especie que encontramos en Europa. A su interés geológico se suma el hecho de que fue utilizada como santuario desde la Prehistoria; en su seno se adoraba a Noctiluca, diosa lunar de la fecundidad, la vida y la muerte.

Muchas leyendas se han ido forjando en torno a esta cueva de paredes suaves y voluptuosas desde la Edad Media hasta nuestros días: se dice que Marco Craso la usó como refugio durante meses; se dice que cinco reyes moros escondieron un magnífico tesoro en alguna de sus salas; se dice que era habitada por un dragón descomunal; se dice también que vaga por sus recovecos el fantasma de “el suizo”, que durante treinta años dinamitó la cueva en busca del famoso tesoro y que terminó muriendo en una de esas explosiones.

Yo, siempre que puedo, vuelvo a ella. En su interior me siento a la vez alerta y protegida, diminuta y plena, temblorosa y en paz. Recorrerla nunca me deja indiferente. Con esta obra pretendo mostrarle mi agradecimiento.

1. Inicio
2. Auto (1, 2 y 3)
3. Entremés
4. En blanco
5. Fin.

Música incidental para la obra Cómicos, que Abulaga Teatro pone en escena de la mano de David Lobo y Paki Díaz y bajo la dirección de Rafa Castillo. Todos los cortes están construídos exclusivamente a partir de la manipulación de la voz de la soprano Alicia Molina.

Mezclar sudor vegetal con agua pura de la fuente Castalia. Agitar cuidadosamente en un vaso de piedra antigua y beber sin boca.

Nuestro entorno actual nos invita a vivir la vida a toda velocidad, a exprimir los minutos hasta límites extremos. Se premia la rapidez y la eficacia a veces muy por encima de otros valores humanos. Los formatos musicales de moda rondan los tres minutos y medio de duración, y salvo excepciones simultaneamos la escucha musical con diversas actividades, todo en aras de aprovechar el tiempo.

Con tanta prisa no es de extrañar que a menudo pasemos junto a o por encima de cosas verdaderamente importantes sin darnos cuenta. Profundizar en algo lleva tiempo y empeño, sobre todo profundizar en nosotros mismos. No podemos resumirnos sin perder lo más valioso de nuestra esencia.

L’Orfeo.zip es una reflexión (breve, por supuesto) sobre todas estas cuestiones. A modo de parque temático, esta obra comprime la primera ópera de la historia, L’Orfeo de Claudio Monteverdi, a menos de una décima parte de su duración y la resume de la forma más superficial y aséptica posible. Mientras tanto, el personaje de Eurídice, apenas una marioneta de desdibujados rasgos en la ópera original, pugna por hacerse escuchar y se lamenta de su terrible destino. El intérprete de arpa no puede, no debe quedarse indiferente…

Tras años de peregrinaje se materializa como la segunda obra (la primera fue Bárbara-Scarlatti) de una serie que, bajo el título global de Sosteniendo tu mirada y a modo de work-in-progress, pretende profundizar en la idea de rito in musica a través de la exploración del concepto de homenaje.

Se trata de trasladar al formato de espectáculo musical una práctica fotográfica muy antigua: la de utilizar un panel previamente pintado con un cuerpo, que en vez de cara tiene un agujero para que ponga la suya cualquier persona. Hoy en día se consigue el mismo resultado con los fotomontajes informáticos, que incluso aportan infinitas nuevas posibilidades a este juego visual. El caso es que al contemplar las diferentes fotos que se obtienen cuando se asoman distintos rostros al mismo marco, nos abruma la evidencia de que cada piel viva, cada mirada, irradia su energía a la madera muerta que les encuadra y establece con ella una relación sistémica única e irrepetible.

Así, Sosteniendo tu mirada 02 es el resultado de asomar a un marco sonoro preestablecido la música que Franz Liszt compuso a partir de un poema de amor que, varios siglos antes, había escrito Petrarca a su inalcanzable Laura. Ese marco en realidad no es más que un ritual escénico y audiovisual que permite al pianista conectar con los más profundos sentimientos de Liszt y, de paso, con una parte escondida de su propia conciencia.

Hace no tanto que un viola muy ilustre publicó su famoso libro Cinderella no more. En él reivindicaba ardientemente las posibilidades de su instrumento y su derecho a dejar de ser la Cenicienta de la sección de cuerda de las orquestas. Con sus escritos y con su arte Lionel Tertis consiguió que al fin la viola fuese tratada, al menos en ocasiones, como toda una princesa de la cuerda frotada.

Esta pequeña obra no es más que una broma musical en la que, sobre un conocido tema de la Cenicienta de Disney, dos instrumentistas comparten un sólo insturmento, dando una vuelta más de tuerca a la evolución técnica de tan hermoso cordófono.

1. Liturgia de metal. Para conjurar el miedo primigenio
2. Vocalización. Para conjurar el miedo al fracaso
3. Abrazo de los pájaros. Para conjurar el miedo al abandono
4. Danza del paréntesis. Para conjurar el miedo a la enfermedad
5. Arco Iris. Para conjurar el miedo al lado oscuro
6. Loa. Para conjurar el miedo a futuro.

Todos tenemos miedo de algo alguna vez.. Todos sabemos cómo a veces nuestros temores pueden llegar a paralizarnos, a convertir nuestra sangre en hielo y nuestra frente en un abismo infinito. Y eso forma parte de nuestra vida, sin remedio; cuanto más nos empeñemos en cerrarles la puerta, más fuerte la derribarán.

Es por eso que propongo este peculiar rito in musica, esta invitación a que los miedos encuentren nuestras puertas abiertas de par en par; para entrar...y, sobre todo, para salir.

Bárbara-Scarlatti se materializa como la primera obra de una serie que, bajo el título global de Sosteniendo tu mirada y a modo de work-in-progress, pretende profundizar en la idea de rito in musica a través de la exploración del concepto de homenaje.

Se trata de trasladar al formato de espectáculo musical una práctica fotográfica muy antigua: la de utilizar un panel previamente pintado con un cuerpo, que en vez de cara tiene un agujero para que ponga la suya cualquier persona. Hoy en día se consigue el mismo resultado con los fotomontajes informáticos, que incluso aportan infinitas nuevas posibilidades a este juego visual. El caso es que al contemplar las diferentes fotos que se obtienen cuando se asoman distintos rostros al mismo marco, nos abruma la evidencia de que cada piel viva, cada mirada, irradia su energía a la madera muerta que les encuadra y establece con ella una relación sistémica única e irrepetible.

Así, Sosteniendo tu mirada 01 es el resultado de asomar a un marco sonoro preestablecido la música que Domenico Scarlatti compuso para su excelente alumna y gran amiga Bárbara de Braganza. Ese marco en realidad no es más que un ritual escénico y audiovisual que permite al pianista conectar con los más profundos sentimientos de, en este caso, dos importantes personalidades históricas que vivieron unidas por la música.

1. Gruta de las pesadillas
2. Gruta del lago de cristal

Dos miniaturas gráficas para dos personas cualquiera que, independientemente de su nivel técnico, quieran sentarse juntas a tocar el piano.

La obra nace desde el agradecimiento y la admiración a la maestra que verdaderamente me enseñó a comprender el alma de ese teclado blanco y negro ante el que yo había pasado tantas horas de mi vida; que me enseñó que ese teclado, como una gruta de cuento, contenía tesoros maravillosos.

Primera persona del singular del presente de indicativo del verbo soplar. Ráfaga de aire. Instante.

Un cuadro de Pollock está gritando...

Si la primera pieza de esta serie, Contracanto 01, se planteaba en clave de humor, la segunda, Contracanto 02, se sitúa en cambio en el desgarro. Está compuesta a la memoria de la soprano María José Sánchez, y en especial en recuerdo de su peculiar relación con lo escénico, compartida con la mezzo Elena Montaña, la dedicataria de esta obra; juntas formaban el dúo Voz dramática.

Esta obra representa, de hecho, una situación dramática para voz sola.

Dos mundos en constante confrontación, el interior y el exterior, separados tan sólo por la delicada barrera de los párpados. Todo un ritual de entendimiento entre el consciente y el subconsciente.

1. Bautismo de sal
2. Bautismo de aire
3. Bautismo de piedra.

Existen algunas acepciones no necesariamente religiosas del término bautismo; las conocemos bien: renacer, iniciarse, realizar algo por primera vez, sumergirse… En una suerte de mística profana, estos tres bautismos nacen de sendas experiencias de inmersión en lo sublime.

En algún rincón de la Capadocia tuve la ocasión de visitar un lugar muy similar a mis propias entrañas; un lugar laberíntico, oculto, siempre cambiante, siempre parecido y siempre intenso; un lugar en el que, aunque pareciera aparentemente imposible, se podía respirar aire puro a muchos metros bajo tierra.

He soñado algunas veces que volvía allí, y que me cobijaba al abrigo de una tremenda oscuridad. Tras uno de esos sueños compuse esta obra.

Obra pensada, como indica su nombre, para poner fin a un concierto...

Utilizando textos del poeta Juan Domínguez Martínez y algunos fragmentos del Génesis (concretamente de El Paraiso y de La caída), El ángulo de la manzana explora la descomposición fonética y posterior recomposición artificial de las palabras.

Esta pieza trata sobre el amor y sobre las diferentes formas de experimentarlo que conoce el ser humano.

Con el apoyo de ciertos fragmentos del Cántico espiritual de San Juan de la Cruz, un bailarín y un intérprete electrónico tejen cuatro fases de movimiento y sonido. Así, sobre una base pregrabada que sirve de estructura profunda a la pieza se superponen otras capas expresivas que requieren de una dosis importante de improvisación por parte de ambos intérpretes. El bailarín viste en ocasiones una prenda interactiva con sensores diseñada especialmente para manipular elementos del conjunto sonoro. Todos los sonidos sin excepción están construidos a partir de la voz humana manipulada.

La idea de ostinato en un sentido amplio del término nos conecta con algunos aspectos de la música antigua, incluso ancestral, que, unidos al trabajo a partir de gestos de baile muy definidos, acercan la obra a la idea de rito in musica.

OSTINATO RAP es una pieza pretendidamente desenfadada, una propuesta poco ortodoxa que parte de los bellísimos y muy profundos versos de Shakespeare para fundirse con algunos elementos musicales propios de la cultura popular contemporánea. El concepto de ostinato, omnipresente como no en dicha música popular contemporánea, se utiliza también como puente eventual a los territorios no tan lejanos de la música antigua.

En definitiva, ¿qué enseñanza nos espera tras la experiencia de rapear a Shakespeare mientras tocamos ardientemente la pandereta?

Todos sabemos que resulta imposible contar un sueño sin desvirtuarlo, de modo que 7 microsueños resulta ser una desvirtuación poética y sonora de otras tantas experiencias oníricas vividas en primera persona. Un acordeón casi fisiológico y una actriz que derrama palabras se adentran juntos en pequeños mundos siempre desenfocados y a veces terriblemente inquietantes.

Ritual escénico y sonoro para 20 intérpretes o más.

Esta obra fue especialmente compuesta para el grupo ACIM del Conservatorio Superior de Música de Málaga. Dicho grupo está integrado enteramente por alumnos del centro, y su objetivo consiste en explorar los distintos caminos que la música contemporánea propone al intérprete. Concretamente Gana el pulso, mediante una sencilla acción escénico-musical colectiva, pretende enfrentar la sofisticación poética y ética de ciertos fragmentos de las Coplas por la muerte de su padre de Jorge Manrique, tratados de forma heterofónica, con la rotundidad algo violenta y cotidiana de un pulso de percusión.

12 piedras. Ritual es una propuesta escénico-musical que explora la temática del dolor, un rito in musica que hunde sus raíces en el palo más jondo del flamenco: la siguiriya. Tres mujeres, una soprano, una palmera y una inventora de artefactos sonoros, interactúan con sensores y piedras para construir un proceso que, paralelamente a lo que sería la distribución de acentos de un compás de siguiriya hipertrofiado, conduce hacia una peculiar catarsis.

El libreto está construido a partir de textos escritos o seleccionados por Sara Molina.

El landay es un poema muy corto que improvisan cantando las mujeres pastún de Afganistán. Los trece que utilizo en esta obra están extraídos de la recopilación que Sayd Bahodín Majruh hace en su libro El suicidio y el canto. En el prólogo de dicho libro él nos explica hasta qué punto la condición femenina en el seno de estas tribus es particularmente dura, y cómo el amor que trata de escapar al matrimonio, siempre impuesto y nunca deseado, se castiga con la muerte. Nos dice literalmente sobre la mujer que se atreve a cantar landays: “En un medio social donde lo que nombra la pasión y la sexualidad pasa por estrictamente tabú, no teme abordar estos temas sin rodeos, con una brutal sinceridad. No teme ser de carne y sangre, y se enorgullece de glorificar su cuerpo, el amor carnal y el fruto prohibido. Se comporta como si quisiera voluntariamente disgustar, escandalizar a los hombres, provocarlos en su virilidad. Y lo que otorga una fuerza particular a este discurso es que ningún sentimiento de ternura o piedad se da cita en él.”

Mariposario está inspirada por la experiencia real de sumergirse en un recinto cuajado de mariposas vivas. Entre una maraña de sonidos electrónicos, siempre casi iguales y siempre en movimiento, dos melodías de Manuel Castillo (en concreto dos extractos de sendas Dos Canciones para la Navidad, que el maestro dedicó a Teresa Berganza) emergen de la guitarra solista y se erigen en protagonistas del conjunto.

Cesar Manrique fue un creador especialmente comprometido con la desintegración de las incómodas barreras que a menudo se han establecido entre el arte y la naturaleza. Un buen ejemplo de ello son las piezas escultóricas de su serie bautizada como Juguetes del viento, muchas de las cuales se encuentran en Lanzarote, su isla natal. Si se contemplan fijamente, su movimiento, cíclico pero a la vez ligeramente cambiante según las fluctuaciones del aire, produce un efecto hipnótico. Mi obra musical se basa en la elaboración de las experiencias poéticas resultantes de permanecer absorta un buen rato delante de cinco de estas esculturas.

Esta pequeña obra narra, en primera persona y en clave de humor dramático, una versión algo aberrante del trasnochado tema de la metamorfosis.

Casi nada. Algunos sonidos en un mar de silencio formando un archipiélago de islas oníricas, concretamente cinco: La isla del viento, La isla negra, La isla sumergida, La isla cambiante y La isla inalcanzable.

1. ¿Cuál es más bella?
2. ¿Cuál es más bestia?
3. Depende.

La bella y la bestia es un dúo que puede ser interpretado en diferentes versiones en función del nivel técnico y del gusto de los ejecutantes. Ciertos fragmentos de la partitura, escritos en color rojo, son los que ofertan tres posibilidades de lectura que hace la pieza apropiada para su uso en las aulas desde los cursos más elementales.

Caer. Volver a levantarse para avanzar. Caer de nuevo y volver a levantarse para comprobar con sorpresa que en el suelo también se ha avanzado... Esta metáfora de la vida misma que es Cíclica recorre la historia de la música vocal desde sus orígenes hasta nuestros días parodiándola.

Lamento 1 forma parte de una obra colectiva creada por profesores del Conservatorio Superior de Música de Málaga en homenaje a Barbara Strozzi, y titulada Lamentos para Bárbara. Cada compositor debía escribir un breve comentario musical a un fragmento del célebre Lamento de la Strozzi; en la interpretación, los comentarios suenan justo después de la interpretación literal del fragmento elegido como modelo en cada caso.

Canción dormida es una obra fundamentada en el desarrollo riguroso de una estructura musical. La mano izquierda va repitiendo una sencilla melodía modal, que parte de los graves y que va subiendo de octava hasta agotar el registro por los agudos; a esta melodía, en ocasiones, se le añaden hasta dos voces más a modo de contrapunto, con la dificultad técnica que ello supone para el intérprete. La mano derecha comienza con unas veloces fusas cromáticas en el registro agudo, que a medida que van descendiendo hacia los graves van disminuyendo progresivamente de velocidad y volviendo a aumentarla hasta el final. Todo el proceso supone dos líneas cruzadas que dibujan un arco. La interpretación ha de ser, además de rigurosa, muy sutil, pues aunque parece que pasan muchas cosas, en realidad pasan muy pocas, y ese estatismo, ese carácter repetitivo, aunque haya algunos cambios cada vez, necesita de una dosis importante de sensibilidad por parte del intérprete para hacer los cambios a la vez evidentes y suaves.

Esta pequeña obrita pretende ser una especie de metáfora gastronómica de la vida. Carne somos. La carne es débil… ¿o no siempre? En cualquier caso, existen muchas recetas cuya principal base es la carne. El steak tártaro es sin duda, de entre todas ellas, una de las más refinadas.

Ana Sedeño me propuso que creara música para un vídeo que estaba construyendo a partir de unas imágenes filmadas en un reciente viaje a Marruecos. La estructura de ese vídeo me fascinó, tan mecánica y a la vez tan expresiva... En ella me inspiré, y despedazando una hermosa canción que me envió mi amiga Yolanda Sin justo antes de morir elaboré una estructura de loops inflexible pero en el fondo desgarrada.

1. Rostro oscuro de perfil
2. Mujer de frente con un codo arriba
3. Máscara con ojo azul
4. Mujer de frente con dos codos arriba
5. Máscara con ojo negro

Dicen que la pintura es muda. Nunca entendí porqué. De hecho, en esta obra trato de transcribir, literalmente, lo que escuché decir a cada una de las cinco figuras del cuadro (el bodegón se limitó a permanecer atento y en silencio). Así, se suceden cinco breves monólogos musicales a modo de archipiélago sonoro, de islas rodeadas por un mar de telas confusas e inquietantes.

1. Sueño de las estrellas
2. Sueño-muerte
3. Sueño con peces
4. Sueño blanco
5. Pesadilla
6. Sueño-puerta

La oscuridad resbala, borrando mi lecho.
Bendito sea el cuerpo de mi amado.
Bendita sea su boca, puerta de todos mis sueños.

Respondiendo a un llamamiento por parte del Grupo TEM a varios compositores malagueños o residentes en Málaga para homenajear, mediante la grabación de un CD de música mixta, al compositor e investigador malagueño Eduardo Ocón, Nana se contruye enteramente a partir de la sencilla melodía popular que cierra su cancionero. La versión en directo se plantea de modo parecido a la famosa Sinfonía de los adioses, pues está pensada para funcionar como final de un concierto monográfico: cada músico, al terminar su intervención, abandona el escenario, dejando por último a la cinta que suena el protagonismo exclusivo de la coda. Dicha coda, a su vez, consiste en la voz de mi madre sin manipular cantando la melodía de la nana; el resto de la cinta se extrae de la manipulación y disgregación de ese final.

El lago durmiente pretende ser un homenaje al Tchaikovski que un día fue niño y que acaso nunca dejó del todo de serlo. El nombre de la obra crea, mediante la evidente fusión de parte de los títulos de dos de sus más conocidos ballets, un lugar, un espacio imaginario donde descansan cisnes encantados, princesas imposibles, cascanueces parlantes, hadas y criaturas del bosque. Por supuesto, todos ellos se encuentran hoy sumergidos bajo las aguas densas del olvido, apartados radicalmente de nuestra cotidianeidad por un ejército de videoconsolas, superhéroes musculosos y demás pobladores del imaginario contemporáneo. No está de moda la ingenuidad.

Precisamente esta obra se construye ensamblando elementos musicales que no están de moda, quizá por ser demasiado ingénuos. Las disonancias son casi siempre suaves, los elementos claros, los procedimientos sencillos de percibir. Describirla, pues, desde el punto de vista compositivo, seguro que resulta tedioso y hasta redundante para los oyentes, así que trataré de ser muy concisa al respecto.

La obra es una breve obertura de concierto atravesada por ciertos componentes de la música de los ballets de Tchaikovsky; por poner ejemplos que saltan al oído, la orquestación concede en ocasiones clave importancia a instrumentos como la celesta o el arpa, y la estructura se articula en torno al comienzo (no más) de la conocida escena del segundo acto de El lago de los cisnes que sirve de inicio a la suite orquestal de la pieza. En otro orden de cosas, el registro grave de la orquesta se encuentra reforzado, tiñendo el conjunto de un carácter sombrío en el que los instrumentos de registro agudo pueden correr el peligro de ahogarse.

Podemos percibir seis micropartes, claramente delimitadas por el diferente tratamiento de la melodía pedal grave descendente (sol-fa-re-do-si bemol) que recorre la obra de principio a fin. En la primera, cada una de las notas de esta melodía se prolonga y se superpone, siempre en pianísimo, para servir de fondo a las apariciones de instrumentos como el arpa, la celesta y el glokenspiel. Tras la discreta intervención del oboe, comienza la segunda, sobre el si bemol grave, en la que por primera vez suena, en las flautas y preparado por el arpa, el acorde de si menor tan característico del comienzo de Tchaikovski antes mencionado. En la tercera parte suena la melodía pedal, limpia y completa, bajo un diálogo de fragmentos melódicos simples, unos más nítidos y otros más texturales, que arropan otra aparición del acorde de si menor. El punto climático de la obra llega en el cuarto fragmento, en el que la melodía pedal se hace fuerte y protagonista en la mayor parte de la orquesta, y en la que el contrafagot alcanza la nota más grave posible de toda la paleta sinfónica. El fragmento quinto, tras presentar rápidamente y por última vez la melodía pedal, procede a la descomposición, mediante glissandi lentos en las cuerdas, del climax, conduciendo el discurso hacia el sexto fragmento, que no es más que la cita casi literal del famoso comienzo de la escena de El lago de los cisnes. Claro que aquí el comienzo se ha utilizado como final, dando paso al verdadero Tchaikosvky que ha de sonar a continuación, con sus maravillosas Variaciones Rococó; al Tchaikovsky de las sinfonías y las grandes obras cargadas de pasión y a menudo de amargura. Quizás en buena parte amargura por una ingenuidad sepultada bajo las aguas turbulentas de su propia vida.

Desde el más profundo respeto y admiración al maestro Schaeffer, este tren sonoro fagocita no sólo su primera obra de música concreta, Etude aux chemins de fer, sino también otras cuatro obras con la voz humana como principal protagonista, dos de ellas polifónicas y otras dos dentro de la tradición del text sound. Extrayendo materiales de estas cuatro obras se elabora un contrapunto heterofónico que, a modo de segunda voz, superponemos a la obra original, que a su vez funciona como cantus firmus. Circulamos sobre los mismos raíles pero entre nuevos paisajes.

Voi che sapete che cosa e amor...

Viola d'amore no es más que una resonancia poética de esa célebre frase del Cherubino de Mozart, una sublimación de la soledad en la que el intérprete entona un delicado lamento sobre el fondo desgarrado de la voz propia perdida en el laberinto del desencuentro.

"Y aunque cantéis como los ángeles, si no amais el canto estáis impidiendo que los oídos de los hombres escuchen las voces del día y las voces de la noche". (Gibrán Jalil Gibrán)

Otra vez el nudo en la garganta. Otra vez el cuerpo partido en dos: un trozo abajo del nudo y otro trozo por encima.
Luchando por no hundirme y desaparecer, por no ahogarme.
Por no ahogarme, por no hundirme y salir.

Pero el nudo sigue ahí.

Y debo seguir luchando por no estrellarme y desaparecer, por no romperme.
Por no romperme, por no estrellarme y vivir.

Por deshacer el nudo.

Nacida con la intención de ser bailada en un concierto-espectáculo para niños. Esta obra es una propuesta abierta que puede ser interpretada de muchas formas; sobre una base pregrabada invita a la improvisación musical y a la danza. Hay una historia de partida: un niño abre y cierra el estuche de su violín, que ejerce de puerta mágica entre diferentes mundos.

Ejercicio de sinestesia sobre cuadros de Sean Scully.

1. Dark Wall
2. Wall of Light Light
3. Sea Wall
4. Wall of Light Fire

Regalo para una boda...

Esta pieza inicia una serie de obras para voz sola o con acompañamiento. El eje central que articula todas las obras de la serie es la lucha de la voz cantada por imponerse o, simplemente, existir. En el caso de Contracanto 01, dedicada "con cariño a mis amigas las divas", una soprano gorjea alabando su propia voz mientras que, poco a poco, el órgano va ganando masa sonora; la soprano tratará de conservar el protagonismo a toda costa.

La primavera ha sido utilizada demasiadas veces como recurso poético, como metáfora fácil y cotidiana (y por tanto a menudo vacía) de juventud, amor, decubrimiento y vida. Hablar de primavera parece haber perdido cualquier clase de interés artístico. Diríase que el lugar de la primavera ha quedado limitado a las postales de felicitación prefabricadas y a los SMS. El pasado mes de abril salí muy temprano un día cualquiera por una calle cualquiera. Un cambio radical en el aire y sus olores me sacó de mis pensamientos. Quedé un buen rato en blanco, contemplando cómo el sol se filtraba entre las nervaduras de las hojas tiernas de un árbol. Después me fui a casa y comencé a escribir esta obra. Desde el fondo de algún abismo verde claro, un Vivaldi cómplice me sonreía.

Aquae gutta.
Paululum terrae.
Semina hominis.

(Una gota de agua
Un poquitín de tierra
Semillas de hombre.)

Este texto escrito por Violeta Pérez Custodio da origen a toda la composición.

(Meditación sobre la paciencia).

La idea de esta obra surgió contemplando uno de los cuadros invertidos de Arcimboldo, concretamente el titulado El hortelano. Para llevarla a cabo se han utilizado los cinco compases finales del motete Ecce quomodo moritur de Jacob Handl (Jacobus Gallus), compositor contemporáneo de dicho pintor y que trabajó en la misma corte que él, la de Rodolfo II en Praga.

Del salón en el ángulo oscuro,
de su dueña tal vez olvidada,
silenciosa y cubierta de polvo,
veíase el arpa...

(De la Rima VII de Gustavo Adolfo Bécquer)

Banda sonora de las imágenes de Ana Sedeño en homenaje al cineasta Takeshi Kitano, elaborada sobre una catastrófica y maravillosa interpretación vocal de la legendaria María de Andrade. Cierra la trilogía de homenajes también integrada por Deciberio y Resfrío fiebre (Re-medio).

Estoy respirando. Sólo eso. Respirando triste.
Estoy pegado/a a la boquilla de un saxofón, aferrado/a a ella como un náufrago a su tabla. Sólo eso. Como un náufrago.
Estoy como en el mar, a la deriva y rodeado/a de murmullos;
murmullos que salen de mis labios pero que nadie puede comprender, igual que nadie puede comprender el murmullo de las olas.
Sólo eso. Rodeado/a de mis propios murmullos. Como un náufrago. Triste. Respirando.

Quizá si trato de hablar en voz alta todos se van a dar cuenta de que intento decir algo.
No se si eso es mejor a peor. Tampoco me importa.
No me importa si me entienden o no.
Por eso no voy a despegar mis labios de la boquilla del saxofón.
Porque no importa si lo que estoy diciendo son palabras o un amasijo de sonidos.
Porque no importa si lo que ahora suena se llama murmullo, palabras o música.
Nada de eso importa cuando de nada sirve hablar.

Es ésta una obra realizada al alimón entre las compositoras Diana Pérez Custodio (en la parte de electrónica) y María Luisa Ozaita (en la parte lírica), mientras que las dos han ideado su presentación teatral. Los versos, que han sido transformados en la grabación, son de María Luisa Ozaita, quien también prestó su voz en el recitado de los mismos en vascuence. Estos mismos versos son interpretados por la soprano en castellano. El tercer elemento que interviene en la performance es una desatascadora de pianos.

Renacimiento está concebida como el elemento final de un tríptico. La primera de las óperas que lo integran, Taxi (2003), nos sumergía en un viaje interior a través del cual la protagonista, físicamente desdoblada en una cantante y una bailarina y guiada por un actor-taxista, experimentaba como mujer los límites de su propia realidad. La segunda, Fonía (2004), enfrentaba a sus dos protagonistas masculinos, un cantante lírico y un cantaor flamenco, con la resbaladiza cuestión de definir el amor.

Ahora, Renacimiento cierra el círculo volviendo a una protagonista femenina, entera, sola y cotidiana, que vive una situación, de nuevo, de viaje; sólo que ahora se trata de un viaje exterior. Sufre, divaga, y un sueño le enseña las claves para iniciar su particular proceso de “renacimiento”. El amor como estado concreto, no necesariamente aplicado a nada ni a nadie sino como vehículo de lucidez y crecimiento personal, es su herramienta.

Algunos textos musicales del Renacimiento español se abren paso entre un tejido sonoro aparentemente muy sencillo.

En 1887, el médico polaco Zamenhof creó un idioma al que llamó esperanto. Sus pretensiones consistían en que pudiese ser utilizado como lengua internacional, y para ello mezcló voces tomadas principalmente de las lenguas románicas y de la lengua inglesa. Hoy en día el esperanto goza de una excelente salud y, al parecer, varios millones de personas lo dominan en el mundo.

También escuché a menudo calificar la música como idioma universal… No creo que ni el esperanto ni la música hayan conseguido (por desgracia) reconstruir todo aquello que, dicen, se rompió en Babel además de la famosa torre.

Esta obra inicia una serie de reflexiones sonoras dramatizadas sobre esta peliaguda cuestión de entenderse y no entenderse.

1. Todo es hermoso
2. Todo influye sobre todo
3. Todo es aburrido

El arte Pop nos hizo ver nuestro mundo cotidiano con otros ojos. Warhol fue uno de sus más comprometidos representantes. Con sus obras y, sobre todo, con sus acciones, puso en tela de juicio muchos de los pilares estéticos e ideológicos que habían soportado la actividad artística en Occidente durante siglos.

Esta pieza nace de una reflexión sobre su pensamiento; de hecho “Todo es hermoso”, “Todo influye sobre todo” y “Todo es aburrido” son tres de las más famosas frases de Andy Warhol. Como muestra de cada una de ellas escogí tres de sus cuadros: Do-It-Yourself (flowers) (Hazlo tú mismo -flores-), Double Silver Disaster (Doble desastre plateado)y Marilyn Monroe’s Lips (Labios de Marilyn Monroe).

El primero presenta un dibujo de flores a medio colorear, y los espacios en blanco están numerados, como ocurre en algunas láminas infantiles; en mi pieza musical el guitarrista ha de rellenar fragmentos de música (de diferentes colores en la partitura) como si de un puzzle se tratase. El segundo muestra dos reproducciones plateadas, estropeadas y ligeramente diferentes de la silla eléctrica. El tercero y último es un doble lienzo en el que aparece 168 veces una imagen tosca de la sonrisa de Marilyn Monroe, uno de los ídolos más utilizados en el Pop Art.

Esta pequeña pieza está integrada en la obra colectiva Castillo de Damas, que fue encargada por el Festival de Música Española de Cádiz a las integrantes del Taller de Mujeres y Creación Musical Actual para homenajear al entonces recientemente fallecido Manuel Castillo. La obra total consistía en alternar las piezas impares de la colección Introducción al Piano Contemporáneo (compuesta por Castillo como obra pedagógica) tocadas al piano en su versión original, con glosas orquestales a las piezas pares de la colección (originalmente compuestas para esta ocasión). 16 es la glosa a la pieza original de piano correspondiente a dicho número y trata de presentar los materiales musicales de la piececita de piano desde una nueva perspectiva, no sólo tímbrica sino también contrapuntística y conceptual.

Esta pequeña pieza puede ser escuchada como una especie de nana. También podría ser entendida como la vida de una idea circular, o como una metáfora de nuestra propia vida.

Pero posiblemente lo mejor sea limitarse a escuchar en torno a 4 minutos 33 segundos de música sin más.

1. La tierra
2. El aire
3. El agua
4. El fuego
5. Coda a 4

Obra dedicada a cuatro alumnas de Primer Curso de Grado Elemental de Flauta Travesera, entre ellas mi hija Alegría. Las cuatro flautas tocan, una a una, la misma melodía pero con diferentes acompañamientos al piano, y finalmente la cuatro juntas sin piano concluyen con una coda polifónica, también sobre dicha melodía.

Una sola nota que nace, crece, se reproduce y muere. Nacida de una experiencia íntima de comunión con la lluvia.

Esta obra trata de reflejar, como un espejo de agua (a veces clara y en calma, a veces revuelta y turbia), la experiencia onírica de penetrar en el interior de un acantilado.

Día tras día y desde las dos dimensiones de mi inteligencia, la moral y la intelectual, me fui acercando así cada vez más a esa verdad por cuyo parcial descubrimiento he sido condenado a tan horrible naufragio: que el hombre no es verdaderamente uno, sino verdaderamente dos. Digo dos, porque el estado actual de mi conocimiento no me permite ir más allá. Otros seguirán, otros legarán más lejos que yo en el recorrido de esas mismas líneas; y yo me aventuro a conjeturar que a la postre se sabrá que el hombre es una mera sociedad de múltiples habitantes, incongruentes e independientes entre sí.

R. L. Stevenson, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde

Esta obra pretende ser una especie de compresión de lo que imaginaba sentir al atravesar el desfiladero que conduce a la ciudad de Petra, matizada por lo que en verdad sentí al hacerlo.

“Illumina oculos meos,
Nequando obdormiam in morte:
Nequando dicat inimicus meus:
Praevalui adversus eum.”
(Ps.12, 4-5)

Obra sutil y oscura, creada desde el fondo del abismo para suplicar la luz. A partir de un críptico texto bíblico se va trenzando una oración desde el agnosticismo más temeroso, desde la irracionalidad más doliente, desde el silencio más anegado. Un canto a ciegas en el que la boca es el único túnel de salida hacia ninguna parte.

Esta obra fue compuesta en febrero de 2006, justo antes de encontrar las fuerza para lanzarme a un cierto vacío que resultó estar lleno de luces.

1. Canción china
2. Niebla lunar
3. Canción de cuna
4. Canto del caballero
5. Misterio
6. Baile de los juguetes
7. Canto de la doncella triste
8. Sale el sol

Sólo tres notas, sol, la y si, las primeras que aprende un niño que por vez primera sopla en una flauta travesera. La variación está en el acompañamiento de piano, que inserta esas tres notas en diferentes modos musicales.

¿Hasta cuándo permanecer? Un lago de algodón y ceniza, pitas en flor: la puerta está abierta. Son las señas del camino vertical.

En verdad,
el odio puede ser vencido por un odio mayor,
pero sólo podrá ser curado por el amor.
E. Bach

Muchos perdieron la vida en los atentados del 11-M; otros muchos perdieron alguna buena razón para vivir. Y aunque desde esa noche oscura del alma parezca imposible pensar en futuro, el tiempo siempre transcurre convirtiendo las heridas en cicatrices y el sufrimiento en sabiduría.

Sanar es un ritual sonoro, metáfora del proceso interior que cualquier ser humano ha de experimentar para superar un dolor tan profundo como el de despedir para siempre a un ser querido, o el de verle sufrir, o el de haber sufrido en carnes propias daños físicos irreparables.

Los elementos musicales has sido reducidos a gestos esenciales, desnudos de virtuosismo. A ellos se añaden algunos elementos visuales mímicos, igualmente ajenos al lucimiento teatral. Así, la orquesta y la soprano atraviesan por cinco estados que devienen el uno en el otro: primero el de incredulidad inicial que paraliza todos los mecanismos de reacción, segundo el de la ira y la desesperación que ciegan el alma y agotan el cuerpo, tercero el de luto y vacío interior, cuarto el de cambio de actitud, resurrección lenta y costosa, y quinto y último el de vuelta a la vida a través del amor.

Banda sonora de las imágenes de Ana Sedeño en homenaje al Pessoa de El libro del desasosiego. Forma parte de una trilogía de homenajes también integrada por Deciberio y Otaku.

El estado emocional provocado por la lectura del poema XL de los Sonetos Materiales de Juan Barja sirve de base a este collage textual. Los sonidos de la voz se entretejen con breves incursiones electrónicas para elaborar una estructura que trata de honrar la enorme talla expresiva de estos sonetos.

Fonía es un espectáculo cantado de estructura no narrativa. Se divide en tres secciones que toman su inspiración y su nombre de otras tantas series de la pintora Ángela Galindo: Partituras de la tierra, Viaje y La piel del mundo.

La obra está construída exclusivamente a partir de materiales producidos por la voz humana en sus diferentes manifestaciones. Dos hombres en escena, un cantante lírico y un cantaor flamenco, exploran desde su masculino punto de vista los matices que puede adquirir la definición del amor.

Asimismo, algunos elementos del concepto clásico de sinfonía buscan perdidos su lugar en un contexto extraño y hostil.

Estoy sentada en el tiovivo quieto de nubes.
(Grises, en cascada)

A lo lejos, las plataformas minerales escupen buches de polvo amarillo.

Mientras yo amaso las hebras del aire con mis pies,
mi corazón se eleva y se vuelve del mismo color que dios.

Esta obra nació como parte de otra de mayor formato, Políptico, compuesta en 1999 e inspirada en varios cuadros del pintor Luis Gordillo. De hecho, La nieve es negra es el título de uno de esos cuadros. En él una rata se pasea por un sórdido laberinto imposible…

Evento sonoro nacido a partir de la reorganización de elementos pertenecientes a una obra anterior de mayor formato, Políptico, y creado con la intención de producir alteraciones emocionales en el oyente que puedan quedar reflejadas de forma objetiva en la aceleración o deceleración de sus latidos cardiacos. La idea de la instalación surgió del MIMMA (Museo Interactivo de la Música de MÁlaga).

Banda sonora de las imágenes de Ana Sedeño en homenaje a Luciano Berio y a su esposa Cathy Berberian. Forma parte de una trilogía de homenajes también integrada por Resfrío fiebre (Re-medio) y Otaku.

Frontera es una canción muy sencilla, asequible a cualquier voz de mujer y a cualesquiera manos de pianista. Una canción sentida, simple, sincera, desnuda...¿pop?

Taxi es una ópera multimedia, como de hecho lo han sido siempre todas las óperas en mayor o menor medida. Un taxista y una pasajera desdoblada protagonizan el espectáculo, basado en una experiencia cotidiana: nos montamos en un taxi y, tras comunicar a la persona que lo conduce a dónde queremos ir, nos abandonamos a nuestros pensamientos. De este modo, establecemos un viaje interior paralelo al exterior; un viaje íntimo (y por tanto no lineal) a través de esa estructura plagada de túneles en la que escondemos todo aquello que más nos conmueve.

Un actor, una soprano y una bailarina, expresando lo inexpresable a través de sus voces y a través de sus cuerpos, cada uno a la medida de su entrenamiento específico o, quizás, un poco más allá. Igual que en el día a día, obligados a veces a comunicarse con las herramientas que les son hostiles, y a veces haciendo de las otras herramientas, las que dominan, el centro de su existencia. Un mundo sonoro pregrabada se entreteje en el conjunto.

En el fondo, lo único que importa es no permanecer indiferentes.

Desde niños nos enseñan que la vida siempre nos sonreirá si somos adorables. Vamos viviendo y experimentando la poca base científica de esa afirmación. No obstante, en algún lugar más o menos escondido de nosotros mismos lo seguimos intentando. Por algo será.

Al comenzar a mirar un cuadro todo parece quieto, inofensivo, definitivamente ajeno.

Si tu mirada se prolonga durante tiempo suficiente, poco a poco te va invadiendo la inquietante sensación de que el cuadro cobra vida. Mientras eso ocurre, tu propia textura y tu pial cambian y se van asemejando más y más a la de la pintura a medio secar.

Finalmente, cuando consigues superar el vértigo, comprendes que ese cuadro y tú sois una misma cosa.

¡Despierta!

He vuelto a verme los talones flotando alrededor de las orejas,
otra vez adormecidos sobre burbujas de clorofila.

El viento ha licuado el agua del estanque;
el reflejo de los árboles tiembla y se desmenuza;
también mi reflejo se ha diluido ya entre los peces rojos.

¡Despierta!
Aquel pájaro que anidaba entre las pitas en otoño regresó al mar,
y ahora es blanco.
Creo que sus alas son de espuma, o quizá de flores secas,
o tal vez de espinas.
Me quedaré con él, abrazada a este acantilado.
El mar aun murmura cosas que yo debo oír.

¡Despierta!
Ayúdame a tender puentes colgantes
sobre los abismos que me separan de la realidad.

Mi cabeza se ha tornado transparente

Uno de los recursos más idiomáticos del vibráfono es encender el motor que llevan incorporado y que permite regular la velocidad del peculiar vibrato resultante. Si llevamos la idea un poco más allá descubrimos una posible metáfora del paso del tiempo como una vibración mecánica unidireccional, que podemos medir en unidades mayores o menores según sintonicemos los relojes de nuestras almas, pero que nunca se detiene a esperarnos.

A pesar de tratarse de una obra en la que intervienen tres músicos, está concebida para que cada uno de ellos actúe de forma individual, sin tener en cuenta en ningún momento lo que estén haciendo los otros dos. Convertidos pues en personajes de su propia acción, están descritos en partitura del siguiente modo:

Flauta: Transido de un profundo e incontrolado arrebato de misticismo. Se siente todo espíritu puro. Quiere disponer un altar.

Saxofón alto: Se cree el ombligo del mundo, el ser más maravilloso de la creación, pero nadie le escucha lo suficiente y eso lo exaspera. Quiere sobresalir por encima de todo y de todos.

Percusión: Está obsesionado con un único esquema rítmico que no puede dejar de tocar ni por un momento. Poseíso por la repetición insistente del mismo, no atiende a nada más.

Históricamente, una de las más poderosas propuestas éticas de nuestra sociedad era la de negar el principio del placer. Todo lo placentero era, o bien directamente pecado, o bien algo inmerecido a lo que había que renunciar. Así se fomentó una bien nutrida cantera de mártires que, enarbolando la bandera del sacrificio, padecían sin fin en este valle de lágrimas.

Pero al menos las cosas parecían estar claras. Ahora en cambio este tema se ha complicado un poco. Vivimos en plena sociedad de consumo, y eso de renunciar al placer no resulta demasiado rentable. De hecho, basta con que volvamos un momento la cabeza para que alguien coloque la etiqueta de “placer” sobre cualquier cosa y la disponga atractivamente detrás del escaparate de turno. Se comercia con el placer apelando a nuestros cinco sentidos y, si no son suficientes, a nuestra imaginación.

Mientras tanto, los desorientados seres humanos se preguntan, por ejemplo, por qué ese chocolate maravilloso que anuncia la tele a todas horas es un pecado, y es muy probable que, tras comérselo, terminen en el psicoanalista. Será todo un placer intentar plantear con música esta situación, tan lamentable y, en el fondo, tan ridícula.

1. Abstracción surreal con manchas malvas
2. Malestar óptico, malestar épico
3. La nieve es negra
4. Abstracción dramática rectangular
5. Meándrico con evasión esmeralda

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo me propuso escribir una obra para homenajear al pintor Luis Gordillo. Mi música a menudo nace a partir de imágenes, y ésta me pareció una aventura especialmente interesante.

Así que comencé dejandome impregnar por sus cuadros, buceando en ellos, intentando escuchar sus latidos, sus gritos, sus silencios...

¿Sus silencios? Lo único que calla en estos cuadros es la boca muda del que observa; del que, como yo, se siente arrastrado hacia zonas demasiado oscuras o demasiado claras de sí mismo, zonas desde las que parece imposible hablar.

Pero no es imposible. Es, de hecho, inevitable.

Gracias, Luis.

Una pesadilla. Los bienintencionados músicos comienzan a tocar una linda danza del Renacimiento. Pero una voz en off, entre publicitaria y aberrante, comienza a incordiarles hasta el paroxismo. Una auténtica batalla en la que el ridículo se torna a menudo en protagonista.

Producción radiofónica. Coproducción RNE Radio Clásica- CDMC.

Vamos tejiendo nuestras vidas a partir de materiales de muy diversa procedencia. Danzamos sobre la urdimbre del tiempo tirando de los hilos. A veces controlamos los pasos y a veces nos vemos empujados por fuerzas externas que cambian -sin consultarnos- el diseño de nuestro tapiz.

Sea como sea, bienaventurados aquellos que saben permanecer en el ojo de su propio huracán. A ellos dedico esta obra.

1. Claustrofobia
2. El niño muerto
3. Quinqué

Panfleto: Folleto u hoja de propaganda política o de ideas de cualquier clase.

Cante jondo: (pronunciación andaluza de "hondo") Modalidad del cante flamenco de ritmo monótono y tono melancólico y quejumbroso.

Hondo: 1. ("Ser") "Profundo". Se aplica a lo que tiene mucha profundidad: "Una vasija honda". 2. ("Estar") "Profundo". Situado mucho más abajo que la superficie: "La raíz está muy honda". 3. (fig.; aplicado a sentimientos). "Profundo". Muy íntimo y verdadero; no superficial: "Un hondo pesar".

(Diccionario de uso del español, María Moliner)

¿Qué escuchamos cuando nos acercamos a la tierra?

Es cierto que no resulta fácil encontrar algo de tierra entre tanto asfalto.
No es cierto en cambio que las raíces guarden silencio: sólo hay que aguzar el oído.

1. Rabieta infantil
2. Tengo hambre
3. Os ordeno que me compadezcais
4. Desde el corazón

Hay infinitos modos de suplicar. Cualquiera de nosotros ha practicado muchos de ellos, en más o menos cantidad y calidad, y siempre en función del tamaño virtual de nuestro ombligo.

He seleccionado tan sólo cuatro de los más característicos, confiando en que alguno despierte nuestras a veces ocultas señas de identidad.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Esta obra fue estrenada el 29 de mayo de 1998 en el Teatro Pradillo de Madrid, formando parte de un concierto de electroacústica que se organizó en el marco de la I Muestra Internacional de Música de Mujeres. Fue concebida teniendo en cuenta el carácter polisémico de su título, y construida sobre todo a base de textos de dadaístas. Es un homenaje a Marcel Duchamp, y como único comentario a su estreno propuse un texto escrito por él en 1957:

“El arte no es el que se ve, el arte está en la laguna…el arte es una salida hacia regiones no gobernadas ya ni por el tiempo ni por el espacio.”

1. Y otra vez tengo que empezar a ronper las raíces
2. ¿Y si yo me convirtiera en pez luna?
3. Una gran montaña china cubierta de vivas arpas diminutas
4. En lo oscuro hay ramas suaves
5. No hagan sufrir a los cristales

Esta obra es un homenaje al Lorca menos difundido, al de Poeta en Nueva York y el teatro imposible.

De hecho, sus títulos son extraídos de la comedia El público.
Veladas por la luz dura que baña todo aquello que es sacado a la fuerza de su contexto, abren paso a la música.

Verdinegro es un poema de amor recubierto de musgo. Para abordar su interpretación es conveniente haber tenido el alma sumergida en musgo alguna vez. En caso de alergia o intolerancia al musgo puede sustituirse por algas de río.

Esta obra ha sido escrita por encargo del Taller de Música Contemporánea de la Universidad de Málaga y a él está dedicada.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Pobrecitas las penas, siempre con tan mal color.

¿Sería posible que alguien, con dotes para la alquimia, las fundiera en el crisol de su voz y las convirtiera en bailarinas en-cantadas?

Miras tu reflejo deformado en el fondo de una taza y quisieras reaccionar.

"Ya no puedes ocultarlo por más tiempo, todos los altavoces lo están gritando. ¡Es tu cuerpo!"

Harías algo si no fuera porque la espiral te está arrastrando de nuevo, otra vez hasta el centro de tu ombligo.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Consta de tres partes sin solución de continuidad: 1. Todo fluye, nada permanece; 2. Pasos de isla en isla; 3. Fuerza centrífuga.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor sobre un pequeño fragmento del segundo movimiento de la Sinfonía Mathis der Maler de Paul Hindemith.

No siempre es fácil aprender a bailar. Pero merece la pena.

Miras tu reflejo deformado en el fondo de una taza y quisieras reaccionar.

"Ya no puedes ocultarlo por más tiempo, todos los altavoces lo están gritando. ¡Es tu cuerpo!"

Harías algo si no fuera porque la espiral te está arrastrando de nuevo, otra vez hasta el centro de tu ombligo.

Compuse A-kú en la primavera de 1994. Yo tenía veintitrés años y era alumna de primero de composición. Mi por entonces profesor, Francisco González Pastor, me comunicó que la última obra que debía escribir para aprobar el curso debía ser para coro mixto a cuatro voces. No pude recibir la noticia con más alegría; la voz humana siempre ha sido mi casa. Así que compuse una obra festiva, cargada de ilusión y de casi verano.

En mi paleta puse todos los colores que Esperanza Abad me estaba enseñando por aquel entonces, y escogí mezclar algunos de ellos en un discurso sencillamente vital.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Obra compuesta como estudiante de composición para el profesor Francisco González Pastor.

Masticando narcisos apagados con miel de avispas.
Cuando las imágenes se esconden en el fondo de los espejos, difuminándose.
Es fácil dejarse llevar.
Al fin y al cabo, si absorbo todos los colores obtengo negro.

Unos pocos segundos de descuido son suficientes para que nuestra cabeza se vea inundada por sus propios fantasmas.
Ideas confusas, ideas contradictorias, falta de ideas.
Esta obra es un canto a la autojustificación.

I. De la puerta de tu casa (Allegro triste)
II. De tu corazón (Largo)
III. De un champiñón (Scherzo)
IV. De un cielo tras otro (Finale Maestoso).

Título decididamente pretencioso para una obra decididamente indefendible.

Nacida tras un mal empacho de búsqueda de la trascendencia expresiva esa, combina y evidencia sin pudor todos los elementos necesarios para sucumbir al ridículo el mismo día de su estreno.

En todo caso, sirva de agradecido homenaje a todas aquellas situaciones no convencionales que tantas veces me ayudaron a salir de apuros.

Desde el interior de un junco todo parece asimétrico, distinto, como las imágenes que escupe un espejo de feria. Gritamos, y sus paredes, circulares y llenas de estrías, nos devuelven...¿nuestra voz?...multiplicada, teñida de nuevos colores y empapada de savia fresca.

Juego musical para vocalizar un poco.

a. Atando absurdos antílopes
e. Esfera
i. ¿Inventarnos?
o. Olas ortopédicas
u. Urdimbre

En principio identificaremos la expresión "vocalizar un poco" con aquellos ejercicios encaminados a recorrer con la voz un amplio ámbito de alturas. Esta obra, en cambio, pretende explorar otro ámbito ligeramente más complejo y subjetivo: el de los timbres.

Cada una de las cinco vocales sirve de exusa al cantante para mirar dentro de sí con distintos ojos, y esbozarnos, con algunos gestos musicales simples, cinco de sus mundos íntimos.

Mi ventana es un espejo del cielo
Un reflejo del cielo partido en dos.

Mi imagen, partida en dos,
se funde con el cielo dentro del espejo de mi ventana.

El cielo se deforma y cambia de color.

Si se abriera mi ventana,
mi imagen y el cielo se romperían.